미니멀리즘의 개요, 도널드 주드, 칼 안드레, 필립 글래스 등 주요작가

'더 적은 것이 더 많다', '가장 단순한 것이 가장 아름답다'는 심미적 원칙에서 기인한 미니멀리즘은 그 출현 이후 회화와 조각뿐 아니라 음악 패션 건축 문학과 광고에 이르기까지 다양한 분야에서 다양한 형태로 생활에 파고들어 여전히 변형되고 진화하고 있습니다.

미니멀리즘(minimalism) 또는 미니멀 아트(minimal art)로 불리는 예술사조의 개념과 주요 작가들에 대해 알아보겠습니다.

Structure and clarity, 댄 플라빈

Grand Parc - Bordeaux, France from France, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

미니멀리즘, 미니멀 아트의 개요와 주요 작가

  

미니멀리즘 (minimalism)의 개요

미니멀리즘은 1960년대에 주로 미국에서 나타난 예술 운동으로 추상적 표현주의의 복잡하고 표현적인 스타일에 대한 반작용과 대응이었다. 미니멀리즘 예술가들은 예술을 가장 순수한 형태로 줄이고 불필요한 장식, 상징성 또는 서술을 제거하면서 본질적인 요소로 분해하여 표현하려고 했다.

미니멀 아트(minimal art)의 개념도 포함하는데, 미니멀 아트는 1965년 영국의 철학자 겸 미술 평론가 리처드 볼하임이 뒤샹, 말레비치, 라인하르트, 라우센버그를 논평하면서 사용한 용어다.

미니멀리즘의 주요 특징은 단순함, 기하학적 추상화, 깨끗한 선, 그리고 기본적인 모양과 형태에 초점을 맞추는 것이었고, 예술품들은 반복적인 패턴, 정확한 배열, 그리고 질서와 명확성을 나타냈다. 이런 스타일로 작업하는 예술가들은 금속, 유리, 콘크리트와 같은 산업적인 재료를 사용했고, 반복, 대칭, 그리고 연속성의 기술을 사용했다.

미니멀리즘은 회화와 조각뿐 아니라, 음악과 패션, 문학과 건축 등 다양한 분야에 영향을 끼쳤고 다양한 형태와 양상으로 전개되고 있다.

회화와 조각의 시각예술에선 최소한의 색상을 사용해 기하학적인 뼈대만을 표현하는 단순한 형태의 미술작품이 주를 이루었고, 음악에서는 필립 글래스(Philip Glass)의 단조롭고 반복적인 곡처럼, 안정적인 박자에 반복과 조화를 강조하는 모습으로 나타났다.

문학에서도 어휘나 문장구조 플롯등의 과감한 생략과 언어의 경제적이고 절제된 사용, '낯설게 하기' 기법을 핵심적 장치로 사용하여 최소한의 노력으로 최대한의 효과를 얻으려 했다.

이처럼 주관적인 표현을 억제하고 최소한의 수단으로 본질을 나타내려 한 미니멀리즘의 경향으로 인해 에이비시 아트(ABC art), 리터럴 아트(Literalist Art), 차가운 예술(Cool Art), 오브제 아트(Object art), 프라이머리 스트럭처(Primary Structure) 등 다양한 명칭으로 불리기도 한다.

 

미니멀리즘의 주요 작가들

도널드 주드 (Donald Judd, 1928~1994)

미국의 예술가이자 이론가로 미니멀리즘의 대표적 인물이다. 그는 작품과 공간 그리고 관람객 사이의 관계를 탐구하는 3차원 조각과 설치로 유명했다.

도널드 주드의 예술 철학은 표현과 표현에 대한 전통적인 개념에 대한 거부에 기초를 두고 있으며, 그는 은유적이거나 상징적인 연관성에서 자유로운 예술 작품을 만들기 위해 노력했고, 대신 재료의 내재적인 특성과 그것들이 형성하는 공간적 관계를 강조했다.

주드의 조각품들은 깨끗한 선, 기하학적인 형태, 그리고 산업적인 재료들로 특징지어지는데, 합판, 강철, 알루미늄, 그리고 플렉시글라스와 같은 재료들을 사용했다. 주드의 작품은 정밀하게 구성되었고 반복되는 단위나 모듈이 등장하여 질서와 반복의 감각을 만들었다.

예술 제작에 대한 주드의 접근 방식은 객관성과 예술 작품의 물리적 존재에 초점을 맞췄으며, 예술품과 그것의 지지 구조, 그리고 주변 공간 사이의 계층적인 차이를 없애려고 노력했다. 그의 설치는 주변 환경 및 건축과 상호 작용하도록 설계되어 예술 작품과 맥락의 경계를 모호하게 만들어, 작품에 대한 관람자의 경험과 몰입적이고 지각적인 만남을 중요시했다.

도널드 주드는 조각과 설치 외에도 예술 이론과 비평에 대해 광범위하게 글을 썼는데, 그는 주관적인 해석보다 예술 작품의 물리적 특성의 중요성을 강조하면서 예술에 대한 보다 직접적이고 객관적인 접근을 옹호했다.

도널드 주드의 작품은 현대 미술과 이후 세대의 예술가들에게 많은 영향을 끼쳤고, 미니멀리즘과 설치 미술의 발전에 기여했다. 그의 물질성, 공간적 관계, 그리고 관람자의 경험에 대한 강조는 전통적인 조각 개념에 도전했고 예술적 경험과 다양성의 가능성을 확장했다.

주요 작품
- 특정한 물체(저서), 1964
- 무제, 1967

무제, 도널드 주드

Rept0n1x, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

칼 안드레 (Carl Andre, 1935~)

산업 재료를 활용하고 형태, 재료, 공간 사이의 관계를 강조하는 조각 작품으로 유명한 미국의 미니멀리즘 예술가로, 1960년대 예술 운동으로서 미니멀리즘의 발전에 결정적인 역할을 했다.

안드레의 작품은 기하학적인 모양과 반복적인 단위나 모듈의 배열이 특징으로, 그는 금속판, 벽돌, 목재 블록 등의 산업 재료들을 이용하여 이 유닛들을 바닥에 직접 배치하여 주변 공간과 상호 작용하는 단순하고 질서 있는 구성을 만들었다.

조각은 수직성을 가져야 한다는 관념을 깨고 수평조각의 개념을 도입하여 조각에 대한 놀라운 인식 전환을 가져왔다. 바닥에 정방형의 금속판을 깔아놓거나 120개의 벽돌을 직사각형 형태로 쌓아 놓은 작품은 논란과 화제를 가져왔다.

안드레의 조각에 대한 접근 방식은 받침대 위에 올려진, 비유적인 형태로서의 전통적인 조각 개념에 도전했다. 그는 주춧돌이나 받침대의 사용을 거부했고 환경과 통합되고 물리적인 수준에서 관람자와 함께 참여하는 예술 작품을 만들기 위해 노력했다.

언어와 텍스트 또한 안드레의 작품에서 중요한 요소였다. 그는 직설적이고 설명적인 접근법을 채택하면서 그의 작품의 재료와 배열을 설명하기 위해 제목을 사용했고, 이 제목들은 언어의 명확성과 그의 예술의 객관적인 본질에 대한 예술가의 관심을 반영하는 문서의 한 형태로 사용되었다.

안드레의 작품들은 예술의 정의와 경계에 대한 논쟁과 토론을 촉발시켰다. 그의 미니멀리즘 작품들은 관람자들로 하여금 형태, 재료, 공간의 근본적인 요소들을 고려하게 하고, 조각과 예술적 표현이라는 전통적인 개념에 도전하게 했다.

그의 작품들 중 일부를 둘러싼 논란에도 불구하고, 미니멀리즘에 대한 칼 안드레의 기여와 예술과 환경 사이의 관계에 대한 그의 탐구는 현대 예술에 지속적인 영향을 남겼다.

주요 작품
- 등가 VIII (Equivalent VIII), 1966
- 레버(Lever), 1966
- 144개의 마그네슘 119 (144 Magnesium 119), 1969

댄 플라빈 (Dan Flavin, 1933~1996)

형광등 설치를 매개로 한 선구적인 작품으로 유명한 미국의 예술가였다. 그는 미니멀리스트 운동의 핵심 인물이었고 예술의 주요 매체로 상업적으로 이용 가능한 형광등 기구를 혁신적으로 사용했다.

플라빈의 작품들은 다양한 색상으로 구성된 형광관(네온) 배열로 구성되었다. 그는 표준적인 기성 형광등 고정장치를 사용하여 현장별 설치에 통합하거나 독립적인 조형물을 만들었다. 튜브는 선형 또는 기하학적인 패턴으로 배열되었고, 결과적인 구성은 주변 공간, 건축 및 관람자와 상호 작용했다.

형광 빛의 사용을 통해, 플라빈은 빛과 색의 변형적인 특성을 탐구했으며, 빛이 강력한 존재를 가지고 있고 그 자체가 물질로 여겨질 수 있다고 믿었다. 그의 예술품들은 형광등이 선명한 색을 던지고 그것들이 설치된 공간을 비추면서 감각적인 경험을 만들었다.

플라빈의 작품들은 단순함과 선택된 매체의 고유한 특성을 강조하는 미니멀리즘 미학을 가지고 있었다. 산업적인 재료와 일상적인 물건들을 사용함으로써, 그는 전통적인 예술 재료의 개념에 도전했고, 세속적인 것들을 예술의 영역으로 끌어올렸다.

플라빈의 영향은 조각의 영역을 넘어 설치 미술, 라이트 아트, 환경 예술 분야에 영향을 미쳤고, 그의 빛과 공간에 대한 탐구는 계속해서 현대 예술가들에게 영감을 주고 있고, 형광 빛의 혁신적인 사용은 예술 세계에 중요한 공헌으로 남아 있다.

주요 작품
- 무제(V. 타틀린을 위한 기념비), 1964
- 녹색을 쓰지 않았던 몬드리안, 1966

무제, 댄 플라빈

Dan Flavin, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

필립 글래스 (Philip Glass, 1937~)

필립 글래스는 현대 클래식 음악에서 가장 영향력 있고 혁신적인 인물 중 한 명으로 널리 여겨진 미국의 작곡가이자 피아니스트이다. 

반복적인 패턴과 리듬 구조, 단순한 조의 진행에 기초한 그의 음악은, 최면을 거는듯한 독특한 분위기와 명상적인 구성으로 미니멀리즘 음악의 특징을 잘 보여준다.

수학과 철학을 공부하던 그는 줄리아드 음악 학교에서 공부했고 프랑스로 건너가 유명한 작곡가 나디아 불랑제에게 배웠고, 피에르 불레즈, 카를하인츠 스톡하우젠 같은 작곡가들의 작품을 접하며 음악적 발전에 상당한 영향을 받았다.

필립 글래스는 오페라 <해변의 아인슈타인, 1976>, <사티아그라하, 1980>으로 널리 인정을 받았고 그의 오페라 작품은 파격적인 구조, 비선형 서사, 반복적인 음악적 모티브로 유명하다. 글래스는 또한 <Koyaanisqatsi, 1982>와 <The Hours, 2002>를 포함한 많은 영화 음악을 작곡하기도 했다.

필립 글래스는 교향곡, 협주곡, 실내악, 피아노 독주곡, 영화음악뿐 아니라 폴 사이먼, 수잔 베거, 믹 재거 등 팝 가수와의 작업을 포함한 방대한 양의 음악을 작곡했고 수많은 수상 경력이 있다.

주요 작품
- 해변의 아인슈타인(오페라), 1976
- 사티아그라하(오페라), 1980
- Koyaanisqatsi(영화음악), 1982
- The Hours(영화음악), 2002
- 교향곡, 협주곡등 다수

덴마크 콘서트, 필립 글래스, 2017

Hreinn Gudlaugsson, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

 

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